| 备考日本美术大学，你需要知道的 |
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| 这篇文章会颠覆你对“美术考试”的传统认知。日本的艺术教育不只看你的手头功夫，更看重你的脑子和内心。它考验的不是你重复的能力，而是你创造的能力。所以，别再只埋头画素描了，抬起头看看世界，多思考，多感受，这比什么都重要。 |
嘿，大家好，我是你们在 lxs.net 的老朋友，今天想跟你们聊点“不正经”的。还记得国内集训画室里那股熟悉的味道吗？松节油、铅笔屑和熬夜后的泡面味儿混在一起，构成了我们对“美术生”这个身份最初的记忆。我到现在还记得，为了画好那个该死的伏尔泰石膏像，我削了无数根中华牌铅笔，对着它愁眉苦脸了整整三个月。那时候，老师总说：“画画，就是要画得像，越像分越高！” 这句话，简直就是圣经。
直到我拖着行李箱，踏上日本这片土地，走进一所美术大学的入试说明会，我才发现，我的“圣经”好像该换一本了。当时，一位教授展示了去年的考题，我至今印象深刻——“请用你的左手和右手，进行一场对话”。
全场安静了几秒，然后我身边的日本考生们开始兴奋地小声讨论，而我，脑子里只有三个字：这啥玩意？左手跟右手怎么对话？画两个小人儿吗？还是写字？我当时就懵了，感觉自己过去十几年练就的“复刻”神功，在这里可能一文不值。那一刻我才明白，来日本学美术，要扔掉的第一个包袱，就是“标准答案”。
告别石膏像，欢迎来到“脑洞运动会”
国内的美术联考，我们都很熟悉了，素描、色彩、速写，老三样。考来考去，无非就是静物罐子、水果蔬菜，或是规规矩矩的头像写生。我们像生产线上的工人，反复练习，追求的是一种无限接近照片的精准和稳定。这当然很重要，基本功是艺术大厦的地基，没人能否认。
但日本的美术考试，像是另一颗星球的产物。他们管这叫“构想力测试”或“表现力测试”。考题本身就像一件艺术品，充满了哲学和诗意。地基当然要，但他们更想看你打算在这块地基上，盖出什么样的房子，是盖个火柴盒，还是建一座天空之城。
拿日本最有名的两所私立美术大学——多摩美术大学（Tama Art University）和武藏野美术大学（Musashino Art University）来说吧，它们的考题每年都会在网上引起热议，因为实在是太“野”了。
比如，多摩美术大学平面设计系的经典考题：“用圆、三角、方块，表现‘喜怒哀乐’”。这道题根本没有给你任何具体形象，它考的不是你画一个笑脸或哭脸的能力，而是你对抽象形态和情感之间通感的理解。你怎么用最简单的几何图形，去调动观众的情绪？是尖锐的三角代表愤怒，还是柔和的圆代表喜悦？没有对错，只有高下。
还有一次，他们的考题是“描绘假名‘し’给你的感觉”。一个简单的日文字母，你会想到什么？是流水的声音（shi），安静的氛围，还是一条蜿蜒的蛇？这道题看似简单，其实是在考验你的联想能力和将无形感觉“视觉化”的能力。这种考试，你背再多构图公式、色彩理论都没用，唯一的武器，就是你那颗独一无二的大脑。
武藏野美术大学也不甘示弱。他们的基础设计系曾出过一道题：“给你一双手和一张A4纸，在3小时内表现‘紧张感’”。你可以撕、可以揉、可以折，可以用手摆出各种姿势与纸互动，然后把这个场景画下来。这考的不仅仅是素描功底，更是你的导演能力和叙事能力。一张小小的画纸，变成了一个微型剧场，而你是唯一的导演。
根据2023年的数据显示，多摩美术大学平面设计系的综合型选拔（一种包含面试和作品集的考试形式）报录比高达16.3:1。这意味着每16个脑洞大开的考生里，只有1个能被选中。竞争虽然激烈，但方向很明确：他们要的不是画画机器，而是未来的创意家。
他们到底在考什么？是“观察”而非“观看”
看到这些题目，你可能会觉得，这不就是瞎画吗？谁画得怪谁就赢了？一开始我也这么想，但后来和教授、前辈们聊过之后，才明白其中的深意。日本美术考试的核心，其实是两个词：观察力（観察力）和构想力（構想力）。
我们平时只是在“看”（見る），看到一个苹果，就画一个苹果。但日本人强调的是“观察”（観察），是带着思考和感情去看。观察一个苹果，你会看到它表皮上细微的斑点，闻到它散发的果香，感受到它沉甸甸的重量，联想到牛顿和万有引力，甚至思考它从开花到结果的生命周期。这些“画外之音”，才是他们想在你的作品里看到的东西。
比如，东京艺术大学（Tokyo University of the Arts），这所全日本最顶尖的艺术殿堂，它的设计科考试就极度考验这种深层次的观察力。有一年的考题是色彩构成，主题是“相遇”。你怎么用颜色和形状去表现“相遇”这个瞬间？是两个色块的碰撞，还是两种颜色的融合？是温暖的相遇，还是冲突的相遇？
一位考上的学姐告诉我，她当时画的是一个非常安静的画面：一大片冷色调中，渗透进一小点温暖的黄色，两者并没有激烈碰撞，而是像墨水滴入清水一样，在边缘悄悄地互相浸染。她说，她想表达的是一种命中注定、悄无声息的相遇。你看，这就是个人解读和情感的注入，这比画两个小人手拉手要高级得多。
这种考试评价的标准也很多元。教授们会围着你的画，讨论很久。他们会看你的画面构成是否有趣，色彩搭配是否有新意，最重要的是，他们会去解读：“这个学生，他想通过这幅画告诉我们什么？”你的想法，你的世界观，你作为一个“人”的特质，都藏在一笔一画里。他们要招的，是一个有趣的灵魂，而不仅仅是一双会画画的手。
作品集和面试：一场关于“你”的深度对话
除了现场考试，还有一个重头戏，那就是作品集（Portfolio）和面试。这在国内的艺考中相对少见，但在日本，这几乎是决定你成败的关键。
如果说现场考试是急中生智的短跑，那作品集就是你精心准备的马拉松。它不是你画得最好的几张素描和色彩的堆砌，而是一本关于你“创作之路”的故事书。日本的教授想看到的，是你对什么东西感兴趣，你为了这个兴趣做过哪些尝试，哪怕是失败的尝试。过程，远比结果重要。
我有个朋友，她申请武藏野的视觉传达系，作品集里放的不是画得多么精致的插画，而是一个关于“便利店”的研究项目。她花了好几个月，跑遍了东京的7-11、全家、罗森，记录不同便利店的灯光、货架摆放、饭团包装的设计，然后用图表、照片、手绘的形式，分析这些设计如何影响人们的消费行为。最后，她还自己设计了一套“最理想”的便利店视觉系统。
这本作品集，技术上可能没那么“炫”，但它展现了她惊人的观察力、逻辑分析能力和解决问题的热情。面试的时候，教授们对着她的作品集问了将近一个小时，对她的研究赞不绝口。最后，她毫无悬念地拿到了offer。
面试环节也特别有意思。教授不会问你“你为什么想来我们学校”这种空洞的问题。他们会拿起你作品集里的某一件作品，问得非常具体：“你做这个作品的时候，遇到的最大困难是什么？”“为什么这里用了红色，而不是蓝色？”“如果让你重新做一次，你会修改哪里？”
他们是在通过对话，确认你是不是一个会独立思考的人，能不能清晰地表达自己的想法。在他们看来，未来的设计师和艺术家，沟通能力和思考能力是同等重要的。所以，准备去日本考学的美术生们，从现在开始，就要练习多问自己几个“为什么”，并且试着把答案说出来。
那么，我们该怎么办？
说了这么多，可能有些同学会觉得焦虑：“完了，我只会画石膏像，我没那么多想法怎么办？”别慌，这种创造力不是天生的，完全可以通过后天练习来培养。
给你几个不成熟的小建议吧。
第一，扔掉“像与不像”的包袱。从今天起，画画的时候别总想着“这里结构对不对”“那个颜色准不准”。试试看，用一根线画出你今天的心情，用一堆色块涂抹出你对一首歌的感受。这种练习，就是在解锁你的感官和想象力。
第二，做一个“好奇心”的收藏家。随身带个小本子，或者用手机备忘录，记录下一切让你觉得有趣的东西。路边一块奇怪的石头，地铁里一个人的眼神，一句无厘头的广告词……把它们收集起来，它们就是你未来创作的灵感金矿。
第三，试着去“翻译”世界。尝试把一种感官的体验，翻译成另一种。比如，把柠檬的酸味画出来，会是什么形状和颜色？把风的声音画出来，会是怎样的线条？这个过程，就是在锻炼你打破常规、建立新连接的思维能力。
来日本学艺术，最大的收获可能不是学会了某种技术，而是找回了创作的初心。艺术，本就不该是一场以分数为终点的竞赛，它应该是我们观察世界、表达自我的出口。
所以，别再问“画得像不像”了，开始问问自己“我想表达什么”。这，才是来日本学美术，最酷的开始。
