揭秘布大电影系：原来大神是这样炼成的

嘿，我是 lxs.net 的小编。还记得申请季那会儿，我跟一个叫 Leo 的学弟聊天。他拿到了好几个电影专业的 offer，其中就有布里斯托大学。他当时特别纠结，给我发来一堆布大的官方宣传片，视频里全是学生们扛着专业的摄影机，在美得不像话的校园里拍片，笑得一脸灿烂。

Leo 问我：“学长，这靠谱吗？看着也太美好了吧？会不会是摆拍的？我这种只会用手机拍Vlog的小白，进去会不会直接被大神们碾压成渣？”

我当时就笑了。这个问题，简直问到了所有电影留学生的心坎里。我们都怕，怕自己一腔热血，最后却发现理想和现实差了十万八千里。所以今天，我不跟你聊那些官网上的漂亮话，就以一个过来人的身份，带你潜入布大电影系的内部，看看那些宣传片背后，大神们真正的“炼成”日常到底是什么样的。

人手一台摄影机？不，是人手一台“时间粉碎机”

先回答 Leo 的问题：布大的学生是不是真的能摸到那些酷炫的设备？答案是：Yes, and more！

但这背后，可不是宣传片里那种阳光明媚的轻松。布大的实践课，被我们私下里戏称为“魔鬼训练营”。大一刚进来，你可能还在懵圈状态，学校的设备中心（Equipment Booking Centre）就已经向你敞开大门了。你以为会从理论开始？不，很多课程的模式是，理论课刚讲完某个概念，下午的实践课就要你立刻用影像去诠释它。

就拿最基础的摄影与灯光工作坊来说。老师会直接把几台 Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K（BMPCC 4K）推到你面前，告诉你：“这是你们接下来几周的‘战友’。”对于很多像 Leo 一样只用过手机和入门单反的同学来说，第一次摸到电影机，手都是抖的。复杂的菜单、各种接口、还有那些看起来就很贵的电影镜头，每一项都是一个全新的世界。

听一个叫 Sarah 的学姐说，她第一次小组作业是拍一个一分钟的无声短片，主题是“相遇”。就这么简单的几个字，他们小组五个人，从构思、画分镜、租设备、找演员（通常是找隔壁戏剧系的同学友情客串）、踩点，到最后拍摄和剪辑，整整花了两周。那两周，他们几乎是住在图书馆的剪辑室里。为了一个理想的黄昏光线，早上五点就扛着三脚架和灯光设备去克利夫顿吊桥；为了一个流畅的摇镜，一个同学硬是把一个动作重复了三十多遍。最后交片的时候，Sarah 说她感觉自己半条命都没了，但当片子在课堂上播放，获得大家掌声的那一刻，她觉得一切都值了。

这种强度的实践，贯穿了整个大学生涯。根据学校的课程设置，BA Film and Television 的学生在三年里，至少要主导或参与创作超过5个不同类型的短片项目，包括但不限于剧情短片、纪录片、实验影像等。到了大三，毕业作品（Final Project）更是重头戏。你可以选择写一篇一万字的学术论文，或者，拍一部10-15分钟的短片并附上相应的研究报告。几乎所有人都选择了后者。这时候，你就有机会申请使用更高阶的设备，比如 ARRI Alexa Mini 或者 RED Komodo 这种业界标配的摄影机。能用上这种级别的设备，对于一个本科生来说，是什么概念？这意味着你的作品从硬件基础上，已经和商业制作站在了差不多的起跑线上。

当然，权利也意味着责任。我听说去年有一组学生，为了拍一个科幻短片，把布里斯托大学那栋著名的野兽派建筑 Wills Memorial Building 拍出了末日基地的感觉。他们光是设备清单就列了三页纸，动用了烟饼、轨道、专业的灯光组。拍摄前，他们做的 Risk Assessment (风险评估报告) 厚得像本书。从拉电安全到演员情绪引导，所有细节都必须考虑周全。这就是布大教给你的第一课：电影创作不是天马行空的幻想，而是一个需要精密规划、严格执行的工业流程。

所以，这里确实是人手一台摄影机，但它更像一台“时间粉碎机”，把你所有课余的时间、精力、甚至睡眠都投入进去，然后锻造出一个熟悉全流程的、真正的“电影人”。

你的导师，可能就是下一个拿BAFTA的人

如果说实践课是炼狱，那布大的教授们就是你的“魔鬼教官”兼“领路人”。

布大的电影系牛在哪？它不是一个纯粹的技术学校（Art School），而是一个设立在顶尖研究型大学（罗素集团成员）里的科系。这意味着，你的老师们，不光会教你怎么操作摄影机，更会引导你思考“为什么要这样拍”。他们本身就是学术界和产业界的大牛。

我们来点名看看。比如研究英国电影史的 Sarah Street 教授，她是这个领域的绝对权威，你写的关于英国电影的论文，很可能引用的就是她的著作。再比如专门研究电影产业和电影技术的 Andrew Spicer 教授，他能从经济和政策层面，把一个电影现象给你分析得明明白白。上他们的课，就像是打通了任督二脉，你不再只是一个“拍片匠”，而是开始学会用导演和制片人的视角去思考问题。

更关键的是，很多老师至今都还活跃在行业一线。他们可能上周还在为BBC的一个纪录片项目做顾问，这周就坐在教室里给你分析你的剧本。我认识一个学长，他的毕业作品指导老师是一位有20多年经验的纪录片导演，拿过好几个国际奖项。学长最初的剧本是一个关于城市流浪者的故事，想法很好，但执行起来很空洞。他的导师没有直接否定他，而是给了他一个任务：去和至少五个流浪者深入地聊一次天，不是采访，是聊天。

那位学长花了一个月的时间，真的去做了。回来后，他把剧本整个推翻重写，每一个情节、每一句台词都充满了真实的力量。最后，他的毕业作品入围了好几个英国本土的青年电影节。他说：“我的导师教给我的，不是什么拍摄技巧，而是对‘人’的尊重和好奇心，这比任何技术都重要。”

根据学校官网的数据，电影与电视系的教职员工中，超过75%的人拥有行业从业经验或与产业界保持着紧密的合作关系。学校每年还会邀请大量的客座讲师，他们可能是来自 Aardman（就是做《超级无敌掌门狗》和《小羊肖恩》的那个动画工作室，总部就在布里斯托）的动画总监，也可能是正在 Bottle Yard Studios（布里斯托最大的影视基地）拍戏的剧组成员。

这种“前店后厂”式的教学模式，让你能接触到最前沿的行业动态。你得到的反馈，不是空洞的理论，而是来自一线战场的实战经验。你的剧本，可能会被一位专业的编剧审阅；你的剪辑，可能会得到一位职业剪辑师的指点。这种机会，千金难买。

一起扛设备的“革命友情”，比什么都重要

电影是孤独的艺术吗？也许在构思剧本时是。但在片场，它绝对是团队的胜利。

在布大电影系，你很快就会明白一个道理：单打独斗，寸步难行。这里的创作氛围，好就好在它既有竞争，更有合作。因为资源是有限的，顶级的设备、热门的场地，都需要你去争取。但同时，没有一个项目是你能独立完成的。你需要导演、制片、摄影、灯光、录音、美术、剪辑……

你的同学，就是你未来最宝贵的“人脉资源”。大家都很清楚这一点，所以形成了一种非常健康的互助文化。今天你的片子开拍，我没事，那我来帮你举一下Boom杆（收音话筒），或者当个场记。明天我的片子需要一个跟焦员，你正好有空，就过来帮我。一来二去，大家就成了能一起熬夜、一起扛设备的“过命交情”。

一个很有趣的现象是，布大的学生组织——Bristol University Filmmaking Society (BUFS) 非常活跃。这个社团完全由学生自发组织，每年都会筹拍好几部规模不小的短片，甚至微电影。他们有自己的设备，有完善的组织架构，从招募演员到后期宣发，完全模拟商业制作的流程。很多电影系的学生都会加入BUFS，把它当成一个“第二课堂”。在这里，你可以认识不同年级、不同专业的电影爱好者，可以尝试你在系内项目中没有机会接触的岗位，比如你一直想试试做美术指导，就可以在BUFS的项目里大展身手。

这种氛围也延伸到了课堂外。布里斯托这座城市本身，就是一个巨大的创意孵化器。这里是“涂鸦教父”Banksy 的故乡，街头艺术随处可见。这里有全英顶尖的独立电影院 Watershed，常年放映各种艺术电影和举办导演交流会。你可能刚在课堂上学习了某个导演的风格，晚上就能在 Watershed 看到他的最新作品，甚至和他本人面对面交流。数据显示，布里斯托的创意产业就业人口比例，是全英平均水平的两倍。这座被联合国教科文组织授予“电影之城”（UNESCO City of Film）称号的城市，本身就是一个巨大的片场和灵感来源。

在这里，你永远不会感到孤单。你会在咖啡馆里听到邻桌在激烈地讨论分镜，会在二手书店偶遇正在为年代剧寻找道具的同学。整个城市都弥漫着一种创作的冲动。这种不分你我、随时随地可以开启头脑风暴的氛围，是任何教科书都无法给予的。

左手理论，右手片场，这才是“完全体”

最后，我们来聊聊布大电影系最核心的特点：理论与实践的完美结合。

很多同学在选择学校时会很纠结：是去一个偏重实践的艺术院校，还是去一个偏重理论的综合性大学？布大给出的答案是：Why not both?

它的课程设计，就是一条腿走路（纯实践）和另一条腿走路（纯理论）的结合体。大一的课程，比如“Film and Television Forms and Histories”，会带你从电影诞生之初开始，系统地学习电影史、电影语言和各种流派。你会被要求阅读大量的学术文章，写分析透彻的论文。这个过程可能会有点枯燥，但它是在为你打下坚实的理论地基。

为什么要学这些？因为你只有看懂了德国表现主义为什么会用那些扭曲的布景和诡异的光影，你才能在自己的恐怖片里，有意识地运用这些元素去营造氛围，而不是凭感觉瞎拍。你只有理解了“场面调度”这个概念的深层含义，你才知道机位、演员走位、景深的每一个选择，都是在向观众传递信息。

然后，在“Creative Practice”这样的实践课上，老师会让你立刻把学到的理论用起来。比如，这周我们学习了纪录片的“直接电影”（Direct Cinema）流派，下周的作业可能就是让你不带任何预设，去跟拍一个身边的人一天。通过这种方式，理论知识不再是书本上死记硬背的条目，而是变成了你可以随时取用的“武器库”。

到了高年级，这种结合会更加紧密。你的毕业作品，不只是交一个片子就完事了。你还需要提交一份几千字的“研究阐述”（Research Portfolio），在里面详细说明你的创作意图、美学选择、以及你的作品是如何与相关的电影理论或电影史产生对话的。这等于是在逼着你，不仅要做一个会拍的“工匠”，更要做一个会思考的“作者”。

这种训练模式出来的学生，最大的优势就是全面。他们既能上手操作，也能坐下来写方案、做研究。这让他们在未来的职业发展中，拥有更多的可能性。他们可以去做导演、摄影师，也可以去做策展人、影评人，或者进入制片公司做项目开发。因为他们懂得，一部好电影，从来都不是凭空产生的，它背后一定有深厚的文化积淀和清晰的创作逻辑作为支撑。

好了，说了这么多，让我们回到最初的问题：布大的大神到底是怎么炼成的？

其实没什么秘密。无非就是用无数个不眠之夜，在剪辑室里把一段素材翻来覆去地看；就是在零度的天气里，为了一个镜头在室外冻上好几个小时；就是把几百部经典电影揉碎了、吃透了，再变成自己创作的养分；就是在一次次的团队合作中，学会争执、妥协，最终为了同一个目标而努力。

所以，如果你想申请布大，或者任何一所顶尖的电影院校，别光想着在文书里展现你有多么热爱电影。这份热爱，需要你用行动去证明。

现在就拿起你的手机或相机，去拍点什么。拍你家楼下的猫，拍清晨的菜市场，拍你朋友的一个傻笑。别怕拍得烂，重要的是开始拍，开始用镜头去思考。把你对某个导演、某部电影的看法写下来，试着去分析它为什么让你感动。这些看似微不足道的积累，才是你申请材料里最闪光的部分。

因为学校想找的，从来不是一个技术完美的“机器”，而是一个眼睛里有光、有话想说、并且愿意为之付出一切的，未来的Storyteller。

祝你好运。